Recensione e MP3 Download | BEATBEAR

Cani Giganti — Brain Confusion

Luigi Zampi — Fri, 18 May 2012 05:44:45 +0000

Artista: Cani Giganti

Album: Brain Confusion

Label: 51beats

Anno: 2012

La 51beats si sta proponendo con autorevolezza nel panorama elettronico italiano con una serie di lavori tra techno e ambient caratterizzati da un’ottima qualità sonora e dall’occhio strizzato a dancefloor esigenti. I Cani Giganti rientrano in questo scenario e si inseriscono con prepotenza nella scena con Brain Confusion, un album di techno complessa dove spicca la passione per l’utilizzo di synth analogici e l’approccio verso sonorità space che mettono volano su territori onirico-danzanti (i più anziani riconosceranno in alcuni passaggi sonorità Kraftwerk e i primi Human League). Già apprezzati per il loro esordio Concerto 001, uno dei cui brani, “Campane”, ha ricevuto un premio al Qwartz Electronic and New Music awards, i Cani Giganti offrono dal vivo un’esperienza potente basata sull’intreccio di sequencer, beat sintetici e sample. Marcio McFly ai synth e drum machine, Pepè Interstellar Overdrive agli effetti e synth analogici, Plasman a synth e sampler, si nascondono dietro le macchine ma rivendicano in toto riferimenti, influenze, passioni per una dance intelligente che crea un crescendo di emozioni e movimenti. E su album, tutto suonato e frutto delle rielaborazioni di suoni sperimentati dal vivo negli ultimi due anni, questa passione rimane perchè si salta dall’inizio alla fine.

Le danze partono con “1997 Run Away”, che inizia con pulsazioni kraut per poi farsi avvolgere dalle tastiere e dalla linea di basso. Un crescendo con rimandi alla space music di fine anni 70, ascoltabile nel break. Brano potente, bpm moderati e tanta carica positiva. Bass line killer e voci distorte sono il tratto di “Brain Confusion”, techno applicata a dinamiche acide. Gli algidi sequencer di “Turkey=Tacchino” fanno tornare indietro nel tempo e sono splendidi nel loro incedere. Mentre le complesse strutture di batteria di “Adriana” catturano l’attenzione e le viscere da subito. Infine il gioco a spirale dei sequencer porta al crescendo mozzafiato di “Thrauma”. Da citare anche il bel remix di “Brain Confusion”.

La loro missione è far ballare e accoppiare le persone come fa la musica nelle tribù africane e i Cani Giganti offrono con Brain Confusion una prova convincente. Sono da vedere e ascoltare dal vivo per apprezzare al meglio il progetto, ma l’album vi impedirà di stare fermi. Sul sito della 51beats si può scaricare gratuitamente ma, credetemi, vale la pena di fare una donazione per un progetto che merita supporto.

Autore: Luigi Zampi

TRACKLIST

1.1997 Run Away

2. Brain Confusion

3. Starman

4. Turkey=Tacchino

5. There Wolf

6. Adriana

7. Thrauma

8. Brain Confusion (Marcio McFly/Robidat rmx)

LINK

Facebook: www.facebook.com/pages/CANI-GIGANTI_51beatsnet/192777930773015

Label: www.51beats.net

Soundcloud: http://soundcloud.com/icanigiganti

Julia Holter — Ekstasis

Andrea Sangiovanni — Wed, 25 Apr 2012 20:08:59 +0000

Artista: Julia Holter

Album: Ekstasis

Etichetta: Rvng Intl

Anno: 2012

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Ekstasis — Julia Holter

Talvolta il termine “sperimentale” inquadra lavori il cui chiaro scopo è quello di esplorare nuovi confini tecnici o tecnologici (musicalmente parlando, si intende), mettendo in pratica teorie programmate piuttosto che istintive.

Nel caso di Ekstasis definire il lavoro sperimentale è solo un modo per inserirlo in una categoria; è infatti più corretto definirlo semplicemente “creativo”. Sembra infatti che Julia Holter, nel suo aggirarsi in un labirinto di suoni fatto di drone, synth, loop e voci che vanno dalla filastrocca a virtuosismi lirici, si trovi assolutamente a suo agio e che la scelta di un prodotto musicale tanto articolato non sia dettata da “curiosità scientifica” ma sia effettivamente il canale a lei più consono per condividere l’“Estasi”.

Già dall’inizio, con “Marienbad”, ci si immerge in una varietà in cui Julia agilmente passa da un genere all’altro, da un pop ambientale con poco spazio agli strumenti a vantaggio della voce, passando per un intermezzo rock dai ritmi serrati fino ad un pop più sperimentale in cui si crea una piacevolissima coralità tra voce e strumenti. In alcuni passaggi il genere ricorda Enya, con qualche strizzata d’occhio ai Sigur Ros; in alcuni pezzi come “Our Sorrows”, nell’orientale “Four Gardens” e in “Moni Mon Amie” si sente il riferimento alla musicista irlandese. Tra le tracce più interessanti c’è “In The Same Room”, uno dei pezzi più semplici ma innegabilmente una canzone alt-pop di ottimo livello, mentre la vena puramente sperimentale, a tratti minimale, la troviamo in “Für Felix” e “Godess Eyes II”. A chiudere è “This Is Ekstasis” un brano che galleggia tra il dream pop e musiche etniche (condito di strumenti a fiato) con tanto di chiusura che va verso piano, basso e batteria dagli spunti jazz.

Il lavoro è molto comunicativo, complesso ma non eccessivamente, un vero e proprio viaggio introspettivo in paesaggi onirici in cui la creatività strumentale e l’ammaliante voce di Julia Holter sono decisamente una piacevole compagnia.

Andrea Sangiovanni

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Ekstasis — Julia Holter

TRACKLIST

Marienbad
Our Sorrows
In The Same Room
Boy In The Moon
Für Felix
Goddess Eyes II
Moni Mon Amie
Four Gardens
Goddess Eyes I
This Is Ekstasis

LINKS

Sito web: http://juliashammasholter.com/

Facebook: www.facebook.com/pages/Julia-Holter/153196178042232

Twitter: http://twitter.com/#!/JULIA_HOLTER

Soundcloud: http://soundcloud.com/juliaholter

Myspace: www.myspace.com/juliaholter

Label: http://igetrvng.com/

Miriam In Siberia — Vol.2

Martina Droghei — Wed, 25 Apr 2012 19:36:04 +0000

Artista: Miriam in Siberia

Album: Vol.2

Label: autoprodotto

Anno: 2011

I Miriam in Siberia (Luciano, Costantino, Nando, Oreste) nascono nel 2005 in Campania. Il debutto del quartetto di Caserta risale al 2006, con la pubblicazione dell’omonimo ep autoprodotto. Dopo molti concerti, nel 2009 esce il loro primo album Il suono del phon che riscuote consensi positivi, un album indie rock caratterizzato da testi ermetici.

Nell’autunno del 2011 pubblicano Vol.2, album psych rock composto da otto tracce. Il secondo album dei Miriam in Siberia viene registrato in analogico a Sinigallia (nei Red House Studio) ed è masterizzato da Salt Mastering a New York. E’ disponibile in edizione speciale con vinile 7’ e un cd che contiene l’intero album.

Vol .2 si ispira alla psichedelia degli anni ’70. Il primo brano che apre l’album è “Moog Stomp”, brano che sembra distaccarsi dal resto dell’album, che dalla seconda traccia in poi cambia completamente lo stato d’animo. La diversità si nota già nella seconda traccia, “Fede e ragione”: un viaggio tra chitarre graffianti e parole urlate. Con “I fiori di Eleusi” arriviamo invece alla ballad dell’album, collocata esattamente a metà. Ed è come se con questo brano si chiudesse la prima parte di un viaggio e ne cominciasse un’altra con “Servi & servitori”. In “Nova2” esce fuori la vena dark dei Miriam in Siberia e quella rock pop in “Un Numero”. L’album si conclude con un brano in inglese, “Soldier”, in cui si rintraccia l’influenza dei Black Sabbath.

I Miriam in Siberia pubblicano il loro secondo album dopo molte esperienze che li hanno portati a crescere e a cercare di raggiungere altri obiettivi. Un disco in cui le influenze e l’ispirazione (Led Zeppelin, Black Keys, Black Mountain) si mischiano ad ambientazioni differenti tra loro (psichedeliche, rock, new wave, folk). Il prodotto finale è sicuramente per un pubblico di nicchia, fedele ai Miriam in Siberia.

Martina Droghei

TRACKLIST

Moog stomp
La Fine del Giorno
Fede e Ragione
I Fiori di Eleusi
Servi & Servitori
Nova2
Un Numero
Soldier

LINKS

Sito web: http://miriaminsiberia.bandcamp.com/

Myspace: www.myspace.com/miriaminsiberia

Facebook: www.facebook.com/miriaminsiberia

Mirel Wagner – Mirel Wagner

Nicola Orlandino — Wed, 25 Apr 2012 08:27:04 +0000

Artista: Mirel Wagner

Album: Mirel Wagner

Etichetta: Bone Voyage Recording / Friendly Fire

Anno: 2012

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Mirel Wagner — Mirel Wagner

C’è un modo di fare musica semplice così in disuso che è diventato anche complicato da interpretare. Sto parlando di quella musica che non comprende altro che una chitarra, una voce e un testo a cui dare spessore. Nella complessità della scena moderna un disco così essenziale può sembrare fuori epoca e addirittura banale se non si sfruttano al massimo quei pochi mezzi a disposizione.

E Mirel Wagner quando ha composto il suo omonimo disco di debutto deve aver avuto le idee molto chiare rispetto a tutto ciò, riuscendo a sfornare una piccola perla, scarna, priva di fronzoli ma che per le orecchie dell’ascoltatore pesa come un macigno sul resto del corpo, parti tangibili e non.

Mirel Wagner nasce in Etiopia, ma cresce in Finlandia. Sin da piccola mette in evidenza il suo talento nella scrittura e un particolare apprezzamento per il folk e il blues, “guardando” alle origini. Il disco è tendenzialmente privo di evoluzioni o “colpi di scena”: c’è la chitarra, molto dosata e minimale, suonata magnificamente; c’è la sua voce calda ma trattenuta, graffiante e malinconica che fa da racconto a storie e argomenti che girano al tema dell’oscurità e la morte. Non è facile realizzare un album cosi semplice all’apparenza, anche perché l’intensità emotiva che sprigiona è frutto di un gran lavoro di tecnica e scrittura della cantautrice finladese, che riesce a valorizzare ogni singola parola che pronuncia, da questo punto di vista paragonabile al disco di Josh T Pearson dell’anno scorso, anche se musicalmente vi sono alcuni punti di divergenza.

L’album è uscito per l’Europa nel 2011 per la tedesca Bone Voyage Recordings (già produttrice dei 22 Pistepirkko e Joensuu 1685) e quest’anno per la Friendly Fire (nel cui catalogo spiccano Asobi Seksu e Treefight for Sunlight).

Si comincia con “To The Bone”, nella quale si respira un’aria già rarefatta e dove si può notare il gusto per il minimalismo acustico: un racconto doloroso di un amore finito che culmina nelle parole “but your love drags me down/ like the clothes/ when you swim/ down deeper down/ like the roots of old trees / my heart has no home / you’ve bruised me to the bone”. “The Well” è più distesa, più “piena” e in qualche modo la voce si addolcisce, anche se si parla di una madre persa (“a shadow swallows my reflection mother I see nothing at all ).

Ripiomba uno stato d’inquietudine con “No Death” (ripugnante scena di un necrofilo e un corpo in decomposizione), uno dei pezzi più forti e pesanti dell’album; in “No Hands”, che racconta l’ingenuità di un bambino che non vede il pericolo di andare in bici senza mani sul manubrio, e qui si può notare meglio il suo stile con la ripetizione costante di piccoli periodi fatti di brevi accordi di chitarra. Anche in “Red” e la straziante “Joe” - che più di tutti evocano lo stile del primo Cohen - si ripete lo stesso, ma l’andamento è meno cristallino e segue il “precipitare” della sua voce, dolce e sofferta allo stesso tempo. “Despair” non si discosta dagli schemi precedenti, mentre “Dream” va a raccogliere tutta la passione della Wagner per il blues : è il pezzo che più di tutti si discosta da quelli ascoltati sinora, anche per l’utilizzo della voce, che risulta quasi indemoniata. Chiude il disco, “The Road”, quadro efficace e desolante della solitudine.

Un disco difficile da ascoltare, la cui grandezza risiede nella sua sobrietà e — anche se può sembrare ripetitivo — è comunque capace di smuovere intere montagne di anime e scavare così a fondo da creare enormi voragini. Una vera rivelazione che scardina il senso del tempo.

Nicola Orlandino

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Mirel Wagner — Mirel Wagner

TRACKLIST

1. To The Bone
2. The Well
3. No Death
4. No Hands
5. Red
6. Despair
7. Joe
8. Dream
9. The Road

LINKS

Facebook: https://www.facebook.com/MirelWagnerMusic

Myspace: http://www.myspace.com/mirelwagner

Etichetta: http://www.bonevoyagerecordings.com/

Andrew Bird — Break It Yourself

Andrea Sangiovanni — Wed, 25 Apr 2012 07:55:26 +0000

Artista: Andrew Bird

Album: Break It yourself

Etichetta: Bella Union

Anno: 2012

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Break It Yourself — Andrew Bird

Andrew Bird, polistrumentista di Chicago, non è un nome nuovo sulla scena musicale; è attivo dal 1996 e il suo curriculum comprende la produzione di tre album con il suo progetto jazz Andrew Bird’s Bowl Of Fire (consiglio caldamente a chiunque provi simpatia per il genere un ascolto dei loro lavori). Break It Yourself è il suo sesto lavoro come solista.

I lavori di Bird non sono mai banali: abile violinista, cantante e chitarrista la sua cultura spazia dal jazz al pop, con marcate influenze etniche e forti caratteri folk e indie. E in questo lavoro da solista si lascia andare un po’ più alla sperimentazione rispetto ad alcuni lavori passati, come ad esempio Andrew Bird &Mysterious Egg Production (altrettanto valido ma più lineare), il che regala una marcia in più al disco.

Per questo primo album prodotto dalla Bella Union (Beach House e Xiu Xiu figurano tra i nomi dell’etichetta) e non dalla Fat Possum Records, lo spirito è tutto rivolto alla composizione e alla sperimentazione e la qualità del risultato denota la maturità di questo artista; già la traccia di apertura “Desperation Breeds” evidenzia l’eleganza nei suoni che spaziano da temi a la Other lives a tonalità indie.

Dopo un brevissimo intermezzo musicale, “Polynation”, si ascoltano alcune delle tracce più brillanti di tutto l’album: “Danse Caribe” e “Give It Away”. La prima è una canzone che incontra echi musicali di nazionalità diverse, ritmi caraibici e violini francesi si intrecciano in una danza musicale che rapisce. Con “Give It Away” è invece il turno di una ventata di folk, in un brano totalmente godibile che peraltro sul sito internet dell’autore è possibile suonare isolando gli strumenti (ad esempio facendo correre la traccia con i soli suoni del violino e le percussioni).

Ogni brano ha il suo profilo caratteristico: dall’ Indie rock di “Eyeoneye” al mix tra folk rock ed indie di “Near Death Experience” e “Lusitania” (con la collaborazione di Annie Clark) fino al pop della mitologica “Orpheo Looks Back”. Dopo il soft rock di “Sifters” e “Fatal Shore”, ecco “Hole In The Ocean” un brano che nei suo otto minuti mostra tutti i vezzi musicali di Andrew risultando uno dei brani più interessanti. Per poi chiudere con la strumentale “Belles”.

Il lavoro di questo cantante e fischiatore professionista di Chicago (come si autodefinisce sul suo sito) è come una pietra preziosa ricca di sfaccettature; passa da un genere all’altro senza mai finire fuori tema o sembrare pretenzioso; l’album a tratti ricorda gli Other Lives e i Wilco con una aggiunta di violino ed arricchiti di riferimenti alle musiche etniche che viaggiano dall’Europa al Sudamerica. Break It Yourself è un lavoro molto ricco ma non per questo dai toni esclusivi, e facilmente lascerà gli ascoltatori soddisfatti.

Andrea Sangiovanni

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Break It Yourself — Andrew Bird

TRACKLIST

1. Desperation Breeds…
2. Polynation
3. Danse Caribe
4. Give it Away
5. Eyeoneye
6. Lazy Projector
7. Near Death Experience Experience
8. Behind the Barn
9. Lusitania
10. Orpheo Looks Back
11. Sifters
12. Fatal Shore
13. Hole in the Ocean Floor
14. Belles

LINKS

Sito Web: http://breakityourself.andrewbird.net/

Label: http://bellaunion.com/

Facebook: https://www.facebook.com/AndrewBirdMusic

Myspace: http://www.myspace.com/andrewbird

Pan and Me — Paal

Nicola Orlandino — Wed, 25 Apr 2012 06:55:01 +0000

Artista: Pan & Me

Album: Paal

Etichetta: Denovali Records

Anno: 2012

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Paal — Pan & Me

Se seguite la scena sperimentale contemporanea, converrete con me che fra i dischi di maggiore rilevanza ed interesse che sono usciti in questi anni ci sono quelli del collettivo dark-jazz francese Dale Cooper Quartet. Uno dei suoi componenti — Cristophe Mevel — si lascia alle spalle la componente jazz per mantenere quella dark.

Con lo pseudonimo Pan & Me, Cristophe si lancia in territori misti di elettronica e neoclassica, che si incastrano con atmosfere oscure che spesso sfociano in strutture ambient. Le 6 composizioni sono state registrate fra Makushin Bay e Kashega Bay, su di una barca e, non a caso, sono molti i riferimenti al mare — sopratutto nei titoli — tali da far risultare Paal un concept album su di esso; il tutto pensato come colonna sonora di un film immaginario.

Il disco esce per l’etichetta indipendente Denovali, che da anni propone le più importanti novità in generi come l’ambient, jazz, dark-jazz, drone, electronica, doom e musica sperimentale in genere. In poche parole un sinonimo di qualità che vanta artisti quali Kodiak, Thisquietarmy, Her Name Is Calla e i più noti Kilimanjaro Darkjazz Ensemble. Inoltre ogni anno (agli inizi di ottobre) questa casa discografica organizza un interessantissimo festival di musica sperimentale.

L’apertura del disco con “The Lighthouse And Two Lights” è qualcosa di devastante: una viola malinconica si infrange su di un’elettronica scricchiolante e su i field recordings che portano un ansimante respiro (a volte il rumore del mare, altre il vento). Nella seconda parte del brano scende un velo di oscurità: sparisce la viola per far posto ad un minimale rumorismo, inquietante e disturbante. “Unalaska” vede l’introduzione di un pianoforte discontinuo, inframmezzato da synth subliminali, il cui risultato è una melodia ripetitiva che rappresenta perfettamente uno stato di ossessione. “The Everlasting Fog” è il pezzo più sperimentale dell’album: prevale la manipolazione e l’elettronica nella sua forma più weird, a cui si aggiungono il piano ed una batteria, che nel finale si intrecciano in un loop che lentamente sfocia in un gelido silenzio. “Bush Leaf Dreaming” è un flusso rumoristico dove tutto viene “suonato” in maniera minimale e soffocata tale da dare quella struttura ambient di cui abbiamo parlato ad inizio recensione: il brano è estremamente angosciante e conturbante, e risulta la vetta dell’intero album.

In “53° 18′ N 167° 52′ W” tornano protagonisti la viola e il rumore del mare, ma siamo leggermente distanti dai territori della traccia iniziale: inizio tamponato con una voce femminile filtrata da una ricetrasmittente; un downtempo che lentamente prende corpo grazie alla batteria accompagnata da tagli elettronici e di viola; nel finale arriva l’apparente quiete e lo spazio è tutto per i field recording con leggeri e impercettibili synth a rendere l’atmosfera un fardello. Lieto fine con “The Clearing”, nella quale l’atmosfera è più rilassata ed eterea: è il raggio di sole dopo 5 brani che riflettevano uno stato d’animo poco sereno.

Un album notevole che destruttura le forme classiche dei generi con cui si mette a confronto; di elevato impatto emotivo, riesce nell’intento di fungere da colonna sonora, di un film immaginario, nella mente dell’autore, con tanto di sceneggiatura e regia impeccabili.

Nicola Orlandino

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Paal — Pan & Me

TRACKLIST

01 The Lighthouse And Two Lights

02 Unalaska

03 The Everlasting Fog

04 Bush Leaf Dreaming

05 53° 18′ N 167° 52′ W

06 The Clearing

LINKS

Facebook: https://www.facebook.com/panandme

Etichetta: http://www.denovali.com/

Father Murphy — Anyway Your Children Will Deny It

Nicola Orlandino — Wed, 25 Apr 2012 06:34:25 +0000

Artista: Father Murphy

Album: Anyway Your Children Will Deny It

Etichetta: Aagoo Records

Anno: 2012

La Aagoo Records (New Jersey) è una casa discografica indipendente — nata nel 2000 — che si concentra soprattutto su progetti di natura sperimentale e di stampo avanguardistico: pensate alle produzioni dei due album di Colin Stetson, Philippe Petit e in catalogo vi è anche uno split Ep fra High Places e Xiu Xiu.

Nella squadra dell’etichetta statunitense c’è anche un gruppo italiano, caso anomalo (positivo) della scena alternativa italiana. Stiamo parlando dei Father Murphy, terzetto proveniente da Treviso composto da Federico Zanatta (moniker Freddie Murphy), Chiara Lee e Vittorio Demarin (conosciuto con lo pseudonimo Gvitron). Il gruppo — attivo dai primi anni zero — dopo Father Murphy (2001) e Six Musicians Getting Unknown (2005), firma nel 2008 per l’Aagoo Records l’album …And He Told Us To Turn To The Sun e questo segnerà anche un deciso passo avanti verso la ricerca musicale, che ha sempre caratterizzato la loro carriera.

Nel 2011 arriva un split Ep con gli How much wood would a woodchuck chuck if a woodchuck could chuck wood?, a cui segue per l’appunto Anyway, Your Children Will Deny It, un disco sorprendente (mixato da Greg Saunier dei Deerhoof) e che conferma il talento di questa band. Si parlava di band anomala, in quanto l’aspetto sperimentale che prevale è raro da trovare nelle produzioni di casa nostra. In linea di continuità con il precedente disco, prevalgono sonorità psichedeliche “sporcate” da incursioni noise, richiami di musica esoterica e neofolk (soprattutto per lo stile vocale) e echi di industrial che si intrecciano per formare una ragnatela fitta e sinistra.

Si entra subito in questo mood con “How we ended upwith feelings of guilt”, un pezzo scarno, essenziale e paranoico, interrotto da isterici rumorismi; nella seconda parte prende più corpo e solennità, con l’aggiunta dell’eco della voce femminile, per rimpiombare in un vuoto di suoni colmato da potenti percussioni. Un inizio da chapeau. L’ombra di Blixa Bargeld si affaccia nella stupenda “His face showed no distortions”: una marcia industriale funerea da brividi. “It is funny, it is restful, both came quickly”, prende un’altra piega con un più marcato aspetto psichedelico contaminato da elementi noise: un suono decisamente più inacidito, al servizio del quale si mettono le due voci, il cui intreccio va ad incrementare l’effetto lisergico del pezzo. “Diggin’ the bottom of the hollow” ha un’unica linea dall’andamento funereo e celebrativo, tagliata da distorsioni visionarie e essenziali inserimenti della voce femminile e (perfetto) relativo back vocal: mistico e suggestivo. Non è da meno il successivo “In praise of our doubt”, brano di una teatralità maestosa, grazie soprattutto all’apporto degli archi e con il canto che si fa più demoniaco e tragico.

“Their consciousness” rappresenta un’altra vetta del disco per la sua doppia faccia: un rumorismo accentuato nella prima parte che di colpo si scioglie in un canto liturgico, con suoni dilatati e drammatizzati. Questa tendenza si può individuare anche in “In the flood with the flood”, nella quale ritroviamo due elementi che hanno caratteristiche che hanno caratterizzato i pezzi precedenti: una certa fastosità di alcuni momenti contrapposta ad altri fatta di spettrali inserti industriali e linee psichedeliche. Si ritorna al punto di partenza con l’essenziale e del tutto spoglia “Don’t let yourself be hurt this time”, che chiude il disco.

I Father Murphy riescono a realizzare un album compatto e vario allo stesso tempo, senza cavalcare un determinato genere ma cercando di amalgamare l’anima rumoristica con l’altra più mistica e contemplativa e i risultati sono davvero eccezionali. Un lavoro entusiasmante, tra i migliori lavori italiani di quest’anno e non solo.

Nicola Orlandino

TRACKLIST

01 How we ended upwith feelings of guilt

02 His face showed no distortions

03 It is funny, it is restful, both came quickly

04 Diggin’ the bottom of the hollow

05 In praise of our doubt

06 Their consciousness

07 In the flood with the flood

08 Don’t let yourself be hurt this time

LINKS

Facebook: https://www.facebook.com/fathermurphyband

Bandcamp: http://fathermurphy.bandcamp.com/

Etichetta: http://www.aagoo.com/

Diaframma — Siberia

Simone De Michele — Sun, 22 Apr 2012 17:26:25 +0000

Artista: Diaframma

Album: Siberia

Etichetta: I.R.A. Records

Anno: 1984

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Siberia — Diaframma

Firenze, la culla della cultura. Ma anche della musica. È proprio nel capoluogo toscano, infatti, che sul finire degli anni ’70 si sono formati alcuni dei principali gruppi che hanno dato il via al movimento new wave in Italia (ricalcando le orme dei Joy Division di Ian Curtis) e che di lì a poco si sarebbe poi trasformato nel principale movimento rock italiano.

A Firenze, infatti, quasi in contemporanea nascono i Litfiba, i Moda, i Neon, e i Diaframma. Quest’ultimo è uno dei gruppi più longevi che il rock italiano abbia avuto: il gruppo nel corso degli anni ha cambiato più volte formazione, contando come unico superstite ai numerosi cambi il poeta dell’underground Federico Fiumani. Un progetto portato avanti da ben 32 anni, durante i quali non sono mancate le soddisfazioni: il loro album d’esordio, Siberia, pubblicato nel 1984 con la I.R.A. Records è finito nella classifica dalla rivista Rolling Stone Italia al settimo posto tra gli album italiani più belli di tutti i tempi; ascoltando il disco non si fatica a comprenderne il motivo.

Fin dal primo brano, “Siberia”, ciò che colpisce di più è la voce calda e intensa, quasi lirica, del cantante Miro Sassolini, che rimarrà al microfono della band anche nei due album successivi, Tre Volte Lacrime e Boxe. Le ritmiche veloci e frenetiche, specialmente in “Neogrigio” e “Specchio d’Acqua”, mettono in forte evidenza i legami tra new wave e punk; in “DeLorenzo” a catturare l’attenzione è soprattutto il frenetico giro di basso, che rimane uno degli strumenti dominanti nell’intero disco.

Lo sfondo che accomuna tutte le tracce di Siberia è la cupa atmosfera, che si fa particolarmente evidente in “Amsterdam” (brano che verrà riproposto, a partire dalla riedizione del 2001, anche in una versione live con i Litfiba).

Per concludere in bellezza il cerchio, oltre alla forma la sostanza: i testi scritti da Fiumani, incentrati sul forte disagio interiore di ragazzi allora poco più che ventenni (“nella mia mente ogni cosa sopravvive in silenzio, sento l’attrito di grida esiliate dal mondo, come frammenti pulsanti di vita, voci alterate si sono dissolte”), mettono fin dall’esordio in mostra l’animo da poeta del futuro leader del gruppo (“il tuo candore sta svenando i miei giorni, ferendo il bagliore della luce notturna”).

Non c’è dunque da stupirsi se Siberia viene considerato come una delle pietre miliari del rock italiano: un album sentito, malinconico, cupo, che ha segnato la strada da prendere alla musica italiana.

Simone De Michele

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Siberia — Diaframma

TRACKLIST

Siberia
Neogrigio
Impronte
Amsterdam
Delorenzo
Memoria
Specchi d’acqua
Desiderio del nulla

LINKS

Sito web: www.diaframma.org/

Gotye — Making Mirrors

Gianmarco Cipolletta — Sun, 22 Apr 2012 16:50:47 +0000

Artista: Gotye

Album: Making Mirrors

Label: Samples ‘n’ Seconds

Anno: 2011

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Making Mirrors — Gotye

Nell’ultimo mese abbiamo assistito ad un vero e proprio fenomeno di condivisione di massa, soprattutto tramite social network, del videoclip del singolo “Somebody That I Used To Know” di Gotye, in duetto con Kimbra. Una vera e propria hit, di quelle che si creano prepotentemente uno spazio nel cervello e l’abbandonano molto difficilmente: poche note di xilofono, accompagnamento in loop di chitarra, testo diretto e un ritornello estremamente efficace si miscelano in una canzone che obbliga al ripetuto ascolto fino ai limiti estremi dell’odio. È quindi con curiosità e aspettativa che ci si avvicina all’ultimo lavoro di Wouter Wally De Backer, vero nome del biondo belga-australiano, dal titolo Making Mirrors.

L’album, uscito nella seconda metà del 2011, si presenta in maniera decisamente eterogenea, sempre entro i confini del pop, raccogliendo in sé diverse influenze: si passa dalla canzone in stile Coldplay a momenti alla Travis, passando per Beck, George Michael e Cee Lo Green, un incontro di molteplici generi e un crocevia di stili e creatività.

Dopo l’iniziale e ignorabile “Making Mirrors” le danze vengono aperte da “Easy Way Out”, canzone dal sound corposo e accattivante su base elettronica. Le centrali “Smoke And Mirrors” e “I Feel Better” (rispetto alla cavalcata power-pop di “Eyes Wide Open” e la citata “Somebody That I Used To Know”), rappresentano un più che apprezzato detour, con il loro solare sapore sixties e Motown. Il bizzarro reggae con voce pesantemente trattata di “State Of The Art” incuriosisce e ipnotizza, conducendo il disco verso le sue fasi finali. Nonostante alcuni spunti interessanti nelle sue parti centrali, l’elettronica in “Don’t Worry We’ll Be Watching Over You” diventa eccessivamente ingombrante e goffa; per fortuna la successiva “Giving Me A Chance” ne ridimensiona i toni, riportandoli a livelli di assoluta delicatezza. Il suo testo semplice e toccante, unito al sincero e dimesso cantato, fa sì che la canzone si candidi come migliore dell’intero lavoro. La conclusione è egregiamente affidata a “Bronte”, un canto di addio dedicato alla scomparsa del cane di un amico, che si estende rilassata su percussioni tribali.

Making Mirrors è in definitiva un album con diversi alti e pochi bassi, che dimostra l’incontestabile poliedricità di Gotye e le sue svariate personalità musicali. Sono proprio queste peculiarità, unite alla forte tendenza alla sperimentazione, ad incuriosire l’ascoltatore, rendendo il tutto piacevole e difficilmente monotono.

Gianmarco Cipolletta

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Making Mirrors — Gotye

TRACKLIST

Making Mirrors
Easy Way Out
Eyes Wide Open
Somebody That I Used To Know
Smoke And Mirrors
I Feel Better
In Your Light
State Of The Art
Don’t Worry We’ll Be Watching You
Giving Me A Chance
Save Me
Bronte

LINKS

Myspace: www.myspace.com/gotye

Sito web: http://gotye.com/

Facebook: www.facebook.com/gotye

Twitter: http://twitter.com/#!/gotye

The Holiday Crowd — Over The Bluffs

Gianmarco Cipolletta — Sun, 22 Apr 2012 16:22:03 +0000

Artista: The Holiday Crowd

Album: Over The Bluffs

Label: New Romantic / Shelflife Records

Anno: 2012

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Over The Bluffs — The Holiday Crowd

È possibile, oggi, continuare l’epopea smithsiana interrottasi nell’ormai lontano 1987? A giudicare da due recenti esordi musicali, il più che discreto Criminal Art Lovers dei Northern Portrait nel 2010 e questo Over The Bluffs dei canadesi The Holiday Crowd, la risposta sembrerebbe essere di sì.

Il lavoro del quartetto Imran Haniff (voce), Colin Bowers (chitarre), Alex Roberts (basso) e Dave Barners (batteria) — a metà tra un Ep e un vero e proprio album — si dichiara amorevolmente dedicato a Scarborough, Toronto, luogo di crescita e di ricordi per il quartetto. Ma l’atmosfera che si respira durante la maggior parte di questi sette pezzi, nonostante la lontananza geografica, appartiene in tutto e per tutto proprio a quella Manchester anni ’80.

La band quindi prende decisamente un grosso rischio ispirandosi in modo così aperto al gruppo-istituzione fondato da Morrissey e Marr, quello di mettere in piedi un semplice e banale pastiche; per nostra fortuna però, non è così. È veramente difficile, infatti, rimanere indifferenti di fronte al delay di chitarra che introduce la perfezione pop di “Pennies Found”, singolo di lancio, mentre il cantato fa divampare in noi una vecchia fiamma che credevamo oramai completamente spenta. Il disco è un succedersi di riff di chitarra catchy e pulitissimi, accompagnati dalla calda e consciamente incerta voce di Haniff, tutto impreziosito dall’ottimo missaggio di David Hermiston e Alex Bonenfant, come la prima traccia “Never Speak Of It Again” o “While She Waits” dimostrano chiaramente.

E se in “Tiresome” e in “In My Arms”, con il loro andare meno danzereccio e più riflessivo, l’ombra di “Heaven Knows I’m Miserable Now” e “The Hands That Rocks The Cradle” è dietro l’angolo, (confermando gli Smiths quali totem dell’album), in “Tender Age” c’è anche spazio per richiami a tonalità consone a Billy Idol.

Over The Bluffs aggiunge quindi un nuovo tassello al non-finito mosaico creato trent’anni or sono da Moz e soci, una parentesi di rievocazione musicale riuscita con stile e senza alcuna imperfezione di rilievo. Dedicato a tutti gli inguaribili del gruppo di Manchester.

Gianmarco Cipolletta

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Over The Bluffs — The Holiday Crowd

TRACKLIST

1. Never Speak Of It Again

2. Tiresome

3. While She Waits

4. Painted Like A Forest

5. Tender Age

6. Pennies Found

7. In My Arms

LINKS

Myspace: www.myspace.com/theholidaycrowd

Label: www.shelflife.com/

Facebook: www.facebook.com/TheHolidayCrowd

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